How do you film a conversation? Most likely, you’re going to block the actors, set up the camera, and do shot/reverse shot. But where do you put the camera? What lens do you use? And how do you cut back and forth? Today, I consider the Coen brothers — Joel & Ethan — and see how these choices lend a particular feel to their version of shot/reverse shot.
Quería hacer una entrada hablando de eso que algunos llaman "hazme un vídeo de..." que resulta que es un trabajo y que consta de varias partes. Una de ellas es el trabajo de operador de cámara, luego está la edición de audio y video, el etalonado, el grafismo, la post-producción..etc Muchas horas!!
En mi caso, tengo que decir que viniendo de los cortos, mi rol ha sido más de director de fotografía pero que como operador de cámara también he hecho cosas claro.
Cómo operador de cámara freelance he trabajado en obras de teatro, dónde mi trabajo consistió en grabar una obra de teatro completa. Para ello usé mi cámara canon XF100 y micrófono Rhode. Luego entregué el archivo en un DVD o directamente en un pendrive. Las obras duraron menos de una hora y cobré alrededor de 99€.
También he trabajado de operador de cámara en conciertos de músicos. Aquí me pidieron grabar la actuación de unos 40 minutos con mi cámara. También usé mi cámara Canon y el precio de la grabación se asemeja a la obra de teatro y la verdad que el impacto en redes sociales estuvo más que amortizado. Siempre recomiendo a los grupos grabar bien al menos una canción. Mejor que con los móviles claro. No hace falta subir un video de todo el concierto en las redes sociales, pero subir una canción si que puede estar bien. El video entero del concierto para el grupo puede ayudar a ver los errores y mejorar.
Otro trabajo de operador de cámara freelance que me gusta mostrar es este vídeo de un centro de belleza aquí en Barcelona. Además de operador de cámara, hice de publicista, editor, grafista... y sirvió para promocionar este negocio en las redes sociales. Este tipo de videos son muy interesantes para cualquier negocio cuando los combinamos con campañas de SEO y SEM en las que puedes garantizar volumen de visitas en zonas geográficas concretas, atrayendo visitas a tu web y por ende a tu negocio.
En mi entrada del blog explico todo el trabajo que realicé y las horas dedicadas:
Otro de los trabajos que me siento muy orgulloso como operador de cámara o videografo, han sido algunas bodas que he grabado. Aquí dejo un enlace:
Resumiendo, como operador de cámara me siento cómodo en este típo de trabajos que muestro en esta entrada pero hay más posibilidades que se pueden estudiar. Hacer un buen video para internet o para tu disfrute personal no es tarea fácil por lo que si quieres inmortalizar buenos momentos o mejorar tu imagen es mejor recurrir a un profesional con material adecuado. Además crear contenido audiovisual siempre aporta un plus a tu negocio, a tus intereses o a tu comunidad. Cualquier consulta o duda deja tu comentario por aquí. Gracias.
Algunos de vosotros probablemente no sepáis en qué consiste específicamente el trabajo de un director de fotografía. Os diré que este señor es después del director, la figura más importante en los logros artísticos de un film y que se encarga de elegir junto al director, el "look" visual de la película. Generalmente responsabilidad suya es escoger toda la gama cromática que aparece en la obra y que ha de ir en lógica y coherente sintonía con los decorados y el vestuario, y trabajar con la luz natural, o artificial, para conseguir las atmósferas, los efectos dramáticos que el director desea; en algunas ocasiones (y dependiendo de quién sea el director, algunos dan mayor margen que otros) puede seleccionar hasta la composición del plano o hacer de operador de cámara dependiendo del presupuesto.
No hay dos películas que tengan el mismo estilo visual, hay aproximaciones, similitudes, pero cada director de fotografía posee un estilo propio (algunos más pírrico y humilde y otros decididamente apabullante) y dependiendo de cada película que fotografíe (y acorde con lo que ésta narra) su estilo puede variar sutilmente o realizar arriesgados y espectaculares cambios de registro. Para mí es muy importante a la hora de valorar el trabajo de un director de fotografía, su capacidad para evolucionar partiendo siempre de un estilo personal y genuino que lo caracteriza. Son especialmente complicadas las escenas nocturnas en escenarios naturales donde hay que esconder las fuentes de luz, y no dar la impresión de que hay un montón de luz artificial que no se sabe muy bien de donde procede (en este sentido me parecen modélicas, tanto la escena inicial con Vanessa Redgrave en "Regreso a Howards End" (James Ivory, 1992) obra de Tony Pierce-Roberts, como la creada por William C. Mellor, esta vez en blanco y negro, para " Un Lugar en el Sol" (George Stevens, 1951) que nos muestra la huida nocturna a través de un bosque de Montgomery Clift después de asesinar al personaje que encarnaba Shelley Winters), la iluminación de interiores en estancias con poca luz, por tratarse de películas que narran historias que acontecían en épocas donde los interiores no estaban iluminados por luz eléctrica, cosa en la que el cine clásico de Hollywood, al estar rodado en estudio, solía "patinar" constantemente (ver a este respecto, y no es ni mucho menos su único logro en esta poderosa obra, la espectacular creación de John Alcott en "Barry Lyndon" (Stanley Kubrick, 1975), o el trabajo de Jack N. Green en "Sin Perdón" (Clint Eastwood, 1992)), o los grandes y complejos movimientos de cámara donde hay que reencuadrar constantemente a los actores, cuidando la luz y las nuevas composiciones que se van creando, esto si no se hace bien puede quedar francamente espantoso y chapucero (portentoso el trabajo, por citar uno, de Stanley Cortez en la escena del baile de "El Cuarto Mandamiento" (Orson Welles, 1942)), o también cuando está anocheciendo y se dispone de muy poca luz natural, en eso que se conoce como la "hora mágica" genialmente captado por Néstor Almendros en "Días del cielo" (Terrence Malick, 1978), y es igualmente interesante el elegir un color y mantenerse fiel a ese color que es dramáticamente expresivo y tiene un significado en la historia que se está narrando, y que debe estar, en diversos tonos, presente a lo largo de todo el filme, el marrón oro asociado a las dunas del desierto o a las puestas de sol como hacen John Seale o Stephen Goldblatt respectivamente en "El Paciente Inglés" (Anthony Minghella, 1996), y "El Príncipe de las Mareas" (Barbra Streisand, 1991), el rojo que elige Piotr Sobocinski en "Tres Colores: Rojo" (Krzysztof Kieslowski, 1994), el azul sucio a juego con los cielos grises de Roger Deakins para "Cadena Perpetua" (Frank Darabont, 1994), o el verde que recuerda a la selva de la India del inicio del filme y que luego se reproduce en los interiores londinenses, de Emmanuel Lubezki para "La Princesita" (Alfonso Cuarón, 1995), entre cientos de ejemplos.
